Recenzje muzyczne CD dla audiofila

Piosenkarka Yasmin Levy zdobyła szacowną reputację jako mistrzyni muzyki ladino, starożytnej muzyki sefardyjskich Żydów z Hiszpanii. Śpiewając ladino, beduińskie i oryginalne ladino-podobne pieśni, czasami przepojone wpływami tureckimi lub flamenco, Levy ma misję zachowania i promowania języka i kultury, którym grozi wyginięcie.

Od czasu swojego międzynarodowego debiutu na WOMEX International World Music Expo w 2002 roku, Levy wydała cztery albumy. Pierwszy z nich, Romance and Yasmin, był nominowany do BBC World Music Award; drugi, bardziej eksperymentalny krążek, La Juderia, otrzymał dodatkowe uznanie. Po wydaniu Mano Suave w Stanach Zjednoczonych, jesienią 2009 roku Levy wyruszyła w swoją pierwszą amerykańską trasę koncertową.

Nisko brzmiący, niezwykle elastyczny, gardłowy instrument Levy wydaje się być kanałem do dawnych czasów. Śpiewając o miłości i tęsknocie, a nawet wykonując oryginalną aranżację Psalmu 118:21-22, jej niezwykle sugestywny, zawodzący sposób śpiewania przekracza granice kulturowe. W jednej chwili wydaje ci się, że słuchasz córki chasydzkiego kantora, a w następnej zastanawiasz się, czy nie jest ona Iranką lub Turczynką.

Zanim poświęciła się śpiewaniu, Levy pracowała w warsztacie samochodowym i otworzyła własną klinikę refleksologii. To ostatnie przedsięwzięcie trwało krótko; już w trakcie przyjmowania pierwszego pacjenta odkryła, że jej umysł jest bardziej skupiony na śpiewie niż na punktach nacisku. Obecnie używa pieśni, by leczyć wielowiekowe podziały i jest Ambasadorem Dobrej Woli dla Children of Peace, brytyjskiej organizacji charytatywnej walczącej o złagodzenie trudnej sytuacji wszystkich dzieci uwikłanych w wielonarodowy kryzys na Bliskim Wschodzie.

Przejmujący głos Yasmin Levy, przepełniony sercem i pasją ludu, który przetrwał wieki prześladowań i niezrozumienia, z pewnością przyciągnie ogromną rzeszę fanów. Najlepiej usłyszeć ją teraz, zanim stanie się idolką Cesarii Evory i innych wielkich artystów, których głosy zdają się śpiewać wprost z ich duszy.

O Sole mìo Canzoni Vol. 1 Preiser Mono 90766

Torna a Surrìento Canzoni Vol. 2 Preiser Mono 90767

Dla miłośników klasycznej muzyki wokalnej, wytwórnia Preiser jest kopalnią złota. Specjalizująca się w historycznych reedycjach wykonań wokalnych i instrumentalnych, które sięgają początków nagrań akustycznych, wytwórnia znana jest z minimalnie inwazyjnych, nieskazitelnych transferów rzadkich wykonań. Starając się zminimalizować szumy powierzchniowe, Preiser odfiltrowuje niektóre wysokie tony, ale uzyskany kompromis zachowuje wiele z piękna oryginałów, bez całego tego zgrzytu.

Te dwa tomy historycznych nagrań pieśni neapolitańskich są szczególnym skarbem. Jako przykład, weźmy jeden wybór z 49, nagranie Hiny Spani "O primavera" (O wiośnie). Grałem to na sesji wprowadzającej studentów do klas muzyki wokalnej, które prowadzę dla Osher Lifelong Learning w Berkeley i San Francisco. Głos Spani jest tak niezwykły w swej dramatycznej sile i pięknie, że ludzie bili brawo już po pierwszej zwrotce.

Chociaż Preiser zazwyczaj ogranicza do minimum notki informacyjne, te płyty zawierają przynajmniej wprowadzenie do neapolitańskiego gatunku i angielskie tłumaczenia pieśni. (Oryginalne włoskie są nieobecne). Wyjaśniając, że muzyka i teksty inspirowane są codziennymi tematami, Laura Wagner-Semrau pisze w notce do płyty: "Piosenki uosabiają słoneczny klimat, malownicze krajobrazy, kolory nieba i morza, a także, co nie mniej ważne, włoski temperament. Tak właśnie brzmią.

Jako całość, te dwa zestawy prezentują bezcenną kolekcję idiomatycznych wykonań, zaśpiewanych bezbłędnie, z sercem i pasją, jakiej wymaga muzyka. Dla każdego miłośnika śpiewu klasycznego są one niezastąpione.

Wersje poniższych recenzji ukazały się pierwotnie na sfcv.org, stronie San Francisco Classical Voice

Kim Kashkashian, Betty Olivero, Tigran Mansurian i Eitan Steinberg NeharĂŞt1 ECM New Series 2065

O ile ten lament opisuje jeden z aspektów działalności wielokrotnie nagradzanego producenta Manfreda Eichera, nie jest w stanie objąć transcendentnej wizji, która prowadzi go do tworzenia nowych klasycznych i jazzowych dzieł z globalną perspektywą. Nie opisuje też w pełni płyty takiej jak Neharolt, której poruszające serce piękno, subtelność instrumentarium i przekraczająca granice modlitwa o uwolnienie od tęsknoty wymykają się kategoryzacji.

Izraelska kompozytorka Betty Olivero zaczęła pisać Neharolt Neharolt w lipcu 2006 roku, kiedy obrazy śmierci i cierpienia z powodu walk w Hezbollahu w Libanie zdominowały świadomość publiczną. Rozpoczynający się mrocznym, ponurym dyrygentem utwór, z subtelnymi fakturami pośród gęstego dudnienia, ma hipnotyczną siłę przyciągania. Wyraźnie kurdyjskie i północnoafrykańskie szczepy lamentacji zabierają głos w przepięknym duecie na akordeon An Raskin i altówkę Kim Kashkashian, ustępując miejsca, między innymi, wersji lamentu Orfeusza z Orfeusza Monteverdiego. Gdy nagrane głosy Lei Avraham i Iliana Elia przeplatają się ze sobą, dźwięki innych dzieł Monteverdiego mieszają się, tworząc pozbawiony granic lament na wieki.

Po nim następują dwa krótsze utwory Tigrana Mansouriana. Tagh for the Funeral of the Lord, oparty na starożytnych ormiańskich pieśniach, łączy światło perkusyjnego wibrafonu i gongów Robyna Schulkowsky'ego z ciemniejszą altówką Kashkashiana. W Oror Mansourian występuje na fortepianie, w aranżacji kołysanki Komitasa, której piękno i zwiewna prostota przemawiają z ujmującą elokwencją.

Następnie Boston Modern Orchestra Project Gila Rose'a wykonuje Three Arias (Sung out the window facing Mount Ararat), utwór, który Mansurian napisał dla BMOP i Kashkashian. W ostatniej z bezsłownych arii wykwintny śpiew altówki działa jak uzdrawiający balsam, łagodząc żal za tym, co już nie jest w zasięgu ręki.

Utwór Rava Deravin na altówkę i kwartet smyczkowy Eitana Steinberga oparty jest na chasydzkiej aranżacji XVI-wiecznego poematu kabalisty rabina Icchaka Luryi. Pierwotnie napisany jako modlitwa na głos i mały zespół, tutaj zabiera głos w specjalnym opracowaniu na altówkę i Kuss Quartet. Wymowny instrument Kashkashiana zapewnia ciepło pośród krzyków bólu z wyższych smyczków.

Nie pozwólcie, aby początkowy mrok akordów otwierających płytę Was zniechęcił. Uniwersalne nici modlitwy, które łączą utwory na tej płycie, przekraczają ból, tworząc własne, życiodajne piękno. Ta płyta zasługuje na szerokie uznanie krytyków.

Bryn Terfel Scarborough Fair DG 001264202

Czy występ może być tak zły, by zniszczyć naród? Jakkolwiek potężny może być głos bas-barytona Bryna Terfela, nie jest on na tyle silny, by sam w sobie zatopił Wyspy Brytyjskie. Gdyby jednak puścić wielką płytę Bryna, Scarborough Fair: Songs from the British Isles (Deutsches Grammophon B0012642-02), wystarczająco głośno, połączone siły wspaniałego instrumentu Terfela i nieznośnych aranżacji Chrisa Hazela dla London Voices i London Symphony Orchestra, bezlitośnie dyrygowanych przez Barry'ego Wordswortha, mogłyby zniszczyć niegdyś potężne imperium.

Pierwszy utwór, irlandzka tradycja "Carrickfergus", rozpoczyna się jedną z najsłodszych, najdelikatniejszych linii wokalnych, jakie Terfel kiedykolwiek nagrał. Jest tak uwodzicielski, jak to tylko możliwe... dopóki nie otworzy głosu. Nie dość, że brzmi wtedy stentorowo i przesadnie, to jeszcze cymbałki w akompaniamencie migają ostrzegawczo: Strzeżcie się bagien sentymentu i szamba nadmiaru, które są przed wami.

Co zrobić, gdy bagna postępują szybciej, niż można się z nich wycofać? Każdy, kto nie jest krytykiem, może szybko ominąć płytę, uciec z pokoju lub zwrócić ją do sprzedawcy z wyjaśnieniem, że odtwarzanie jej zatkało hydraulikę i wywołało zaburzenia trawienne. Ale ten, kto musi wiernie zrelacjonować, może jedynie uciec się do pisania na klawiaturze w trakcie odtwarzania płyty, mając nadzieję, że w ten sposób odwróci swoją uwagę od sopa.

Ci, którzy kochają wzruszające wykonanie "Scarborough Fair" Simona & Garfunkela, z radością powitają perspektywę duetu Bryn z cudowną sopranistką Kate Royal. Dopóki nie posłuchają. Wtedy odkryjemy mocno udramatyzowaną wersję, która przytłacza prostotę tej piosenki. Podobnie my, którzy nie wiedzieliśmy jak sentymentalna może być pierwsza miłość, wystarczy posłuchać walijskiej tradycyjnej ballady "Cariad Cyntaf", by przekonać się, że jest inaczej.

Joyce DiDonato Rossini-Colbran, the Muse Virgin Classics 94579

Zanim skończy pierwszą, zdumiewającą, 50-sekundową muzyczną wypowiedź utworu "D'Amor al dolce impero" (To the Sweet Rule of Love), mezzosopranistka Joyce DiDonato jest już swoją wizytówką. Gwałtowne wysokie dźwięki, płynne przebiegi i imperialne deklaracje, które wyrzuca z siebie wykonując nieubłaganie wymagający finał drugiego aktu opery Gioachino Rossiniego "Armida", potwierdzają w sposób nie budzący wątpliwości, że jest ona wielką artystką u szczytu swoich możliwości.

Armida tour de force, pierwsza z siedmiu wymagających arii na płycie wypełnionej wystarczającą ilością nieskazitelnych tryli i wysokich punktów kulminacyjnych, by zadowolić najbardziej wymagającego miłośnika opery, rozpoczyna długo oczekiwany recital DiDonato poświęcony Rossiniemu. Wybory na płycie "Rossini-Colbran, the Muse" (EMI Classics), wypełnione muzyką inspirowaną hiszpańską muzą i późniejszą żoną kompozytora, Isabellą Colbran, są często śpiewane przez wysokie soprany koloraturowe. Jednak, jak zauważa Philip Gossett w swojej niezwykle dosłownej notce, głos Colbran obejmował zarówno rejestry mezzosopranowe, jak i sopranowe. Stąd też mezzosoprany takie jak Frederica von Stade i Cecilia Bartoli oraz soprany takie jak Montserrat CaballĂ©, które nie sięgają powyżej wysokiego C, również przyjęły repertuar Colbrana.

Ale kiedy DiDonato się rozpędzi, jak w finale III aktu Armidy, uważajcie! Gdy cymbały łomoczą, perkusja grzmi, a wersy takie jak "Zniszcz wszystko tutaj, wszystko" (Distrutto tutto qui resti, tutto) są rzucane, możesz krzyknąć "Brava" do swoich głośników. W pewnym momencie podczas słuchania, karmiona kukurydzą Diva z Kansas prawdopodobnie zaprze wam dech w piersiach. To jest mezzo, które nie bierze jeńców.

Leif Ove Andsnes & Robin Rhode Pictures Reframed EMI Classics DVD i CD 98360

Pictures Reframed, multimedialna prezentacja Obrazków z wystawy Mussorgskiego, łącząca pianistykę Norwega Leifa Ove Andsnesa (ur. 1970) z grafiką i filmem południowoafrykańskiego artysty wizualnego Robina Rohde (ur. 1976), to oszałamiające osiągnięcie. To znacznie więcej niż tylko kolejna multimedialna współpraca w naszej wielozadaniowej, iPodowej erze, to błyskotliwe naświetlenie dokonań Mussorgskiego w sposób, który wykracza poza dosłowność słów, obrazów i nut na kartce papieru.

W tym samym czasie, kiedy Andsnes odbywa trasę koncertową "Pictures Reframed" z Moskwy do Houston (najbliżej Bay Area), EMI Classics wypuściło na rynek rozbudowany pakiet składający się z 152-stronicowej książki obrazkowej, ważącej ponad 2 funty; DVD zawierającej wspaniale sfilmowane wykonanie "Pictures Reframed" na żywo oraz 50-minutowy film dokumentalny "Leif Ove Andsnes - Reframed"; oraz studyjnie nagraną płytę CD, która łączy "Mussorgsky'ego" z "Kinderszenen" Schumanna. Chociaż CD jest również dostępne oddzielnie, jedynym sposobem na zobaczenie "Odświeżonych obrazów", bez konieczności lotu do Houston, Nowego Jorku czy Londynu, jest zakup całego pakietu.

DVD jest bardzo spektakularne. Ostatni "obraz", w którym Rohde łączy Andsnesa i Mussorgskiego w "Wielkiej Bramie Kijowskiej" z morderstwem przez utopienie fortepianu, brzmi równie oburzająco, co dziwacznie, ale działa. Nie ma sposobu, by odpowiednio opisać, jak niekontrolowane przepływanie wody przez struny i klawisze uzupełnia kontrolowane uderzanie Andsnesa o te same klawisze, wystarczy powiedzieć, że to artystyczne połączenie tak wykracza poza sumę swoich części, że trudno nie wiwatować na widok bezbożnego poświęcenia sztuki w imię sztuki.

Równie poruszający jest dokument. Od ujęć Andsnesa na początku jego spektakularnej kariery, po sceny rodzącej się przyjaźni między klasycznym artystą a uwielbiającym rap artystą wizualnym, dokument w wymowny sposób ukazuje współpracę dwóch równie oddanych, ale zdecydowanie różnych osobowości.

Ponieważ nagranie Pictures powstało w wyniku multimedialnej fuzji, bardziej użyteczne wydaje się omówienie studyjnego nagrania Kinderszenen, które zawsze miało stać samodzielnie. Pianistyka Andsnesa jest oczywiście nieskazitelna i bez zarzutu, nagranie nieco odległe i dźwięczne, ale dość czytelne. Kontrast z innym, niedawno wydanym przez EMI Kinderszenen, na którym pianistka Martha Argerich i skrzypek Gidon Kremer nagrali na żywo The Berlin Recital, nie mógłby być większy. Oprócz akustyki - fortepian Argerich jest nagrany bliżej, z większą ilością wibracji na górze - jej płynność, częste zmiany tempa i poetyckie użycie rubato śpiewają inną melodię niż prostolinijne podejście Andsnesa. Przypuszczam, że prostota Norweżki jest w pewnym sensie bardziej dziecięca. Ale słyszeć Argerich tańczącą i kołyszącą się na klawiszach, i delektować się jej zmiennymi zmianami geniuszu, to jak doświadczać odrodzenia złotego wieku.

Spodziewam się, że po nowojorskiej premierze, która odbędzie się 13 listopada, wiele usłyszycie o "Pictures Reframed". Jedynym sposobem, aby dowiedzieć się, o co chodzi w tym zasłużonym zamieszaniu, jest zakup całego, idealnego na świąteczne prezenty pakietu.